Across the Board. Otobong Nkanga and Nástio Mosquit

              142 Otobong
Nkanga
ACROSS
THE
BOARD
Among the score of images of works from the Tate
Collection that Otobong Nkanga chose for her 2012
installation-performance Contained Measures of Shifting
States was Christopher Wool’s Untitled (You Make Me)
from 1997. Wool’s original is a painting on a sheet of
aluminium more than two metres tall, but here it was
reduced to a pocket-sized print in which the phrase
“You make me” was written in large, black, upper-case
letters in three lines on a white background on the
left side of the composition. For Nkanga, the ambigu-ity
between restriction and totality that marks Wool’s
work served, inter alia, to underline a key aspect of
her own, and of performance art in general: her work
is incomplete without “you,” the viewer. For Nkanga,
the phrase “You make me” constitutes an inescapable
gesture of interaction, one that refutes the statement
that a work of art, whose autonomy is tied to the exis-tence
of the museum, is, when it is shown, confined to
the sole purpose of being observed.
Contained Measures of Shifting States, Otobong Nkanga, 2012
Foto / Photo: © Tate Photography / Gabrielle Johnson, 2012
© Del documento, los autores. Digitalización realizada por ULPGC. Biblioteca Universitaria, 2018
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Nástio
Mosquito
POR/BY
Elvira
Dyangani
Ose
Entre la veintena de imágenes de obras procedentes de
la Colección Tate que Otobong Nkanga escogió para su
instalación-performance Contained Mesures of Shifting
States 2012, figuraba Untitled (You Make Me) 1997 de
Christopher Wool. La de Wool es una pintura sobre alu-minio
de más de dos metros de altura, reducida para la
ocasión a una lámina de bolsillo, en la que puede leerse
la frase “You make me” en grandes letras mayúsculas,
negras sobre fondo blanco, repartidas en tres líneas que
ocupan el lado izquierdo de la composición. A Nkanga,
esa ambigüedad entre la restricción y la totalidad que
evidencia la obra de Wool, le sirvió entre otras cosas
para enfatizar un hecho clave en su obra—y, en gene-ral,
en lo performativo: su trabajo está incompleto sin ti.
Para Nkanga la sentencia, “You make me” (Tú me haces)
constituye un gesto de interacción ineludible que pone en
jaque la afirmación de que una obra de arte, cuya autono-mía
esta ligada a la existencia del museo, al ser expuesta
queda restringida al mero propósito de ser observada.
Flourishing Seeds, Nástio Mosquito, 2012
Foto / Photo: © Tate Photography/ Gabrielle Johnson, 2012
© Del documento, los autores. Digitalización realizada por ULPGC. Biblioteca Universitaria, 2018
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La de Wool fue sólo una más de las 100 ilustraciones
que formaban parte de uno de los componentes de
Contained Mesures of Shifting States, en la que Nkanga
invitaba a los espectadores a entablar un diálogo sobre
la intangibilidad de la identidad, la memoria o la per-cepción,
observando el cambio que se producía en éstas
cuando eran presentabas a través de una de estrategia
de recopilación y narración específica. En Contained
Mesures of Shifting States esa alusión al cambio adqui-riría
un carácter tangible y extremadamente poético.
La instalación-performance estaba dividida en cuatro
partes. Cuatro mesas circulares que contenían elementos
que se presentaban al público justo en el momento en
el que cambiaban de estado. Una mesa con hielo que
se derretía llevándose consigo tinta depositada en el
fondo de una mesa horadada. Un líquido que goteaba
sobre una placa caliente transformándose en humo.
Un cubo de fieltro de algodón seco que se empapa de
un líquido entintado que gradualmente lo coloreaba.
En la última mesa, ahuecada en su interior, se amonto-naban
un centenar de láminas que contenían: fotos de
obras procedentes de la Colección Tate, entre las que
se encontraban la mencionada pieza de Christopher
Wool, junto a otras de John Simpson, Jenny Holzer,
Ron Mueck o Nicholas Hlobo; fotos y material de obras
anteriores de la artista; y un imaginario aleatorio de
paisajes, cartografías antiguas y otras referencias cultu-rales.
En el orificio central, la artista, que permanecería
allí durante siete horas ininterrumpidas, instigaba una
conversación que convertiría a los espectadores en
participantes.
La de Nkanga fue la primera de las performances presen-tadas
en The Tanks, Tate Modern, el pasado 24 noviembre
con la que se iniciaba la andadura del proyecto Across
the board, una serie de iniciativas que tendrán lugar a lo
largo de casi dos años realizada con el apoyo de Guaranty
Trust Bank. Across the board es una plataforma experi-mental
y multidisciplinar que, tras su paso por Londres,
tendrá lugar en tres ciudades africanas: Accra, Douala y
Lagos. Cada uno de estos episodios presenta una serie
de actividades distintas, con protagonistas distintos, que
sirven para ilustrar algunos de los aspectos más exci-tantes
de la escena artística africana contemporánea.
Los eventos se articulan en función de cuatro temas que
constituyen el marco conceptual, la propuesta inicial, de
una serie de conversaciones entorno a temas como las
políticas de representación, las estrategias de creación
The Wool piece is one of the more than one hundred illus-trations
that make up one component of Contained Mea-sures
of Shifting States, a project in which Nkanga invited
viewers to engage in a dialogue about the intangibility
of identity, memory, or perception, observing how these
change when presented via a strategy of specific arrange-ment
and narration. In Contained Measures of Shifting
States, that allusion to change took on a tangible and
highly poetic character. The installation-performance
was divided into four parts. Four circular tables contained
elements that were shown to the public at the very instant
that they underwent a change in state. On one table, melt-ing
ice carried with it the ink that had been deposited on
the bottom of a table full of holes. A liquid dripped onto
a hot plate, turning into vapour. A cube of dry cotton
wadding became soaked by a tinted liquid that gradually
coloured it. On the final, hollowed-out table were piled
a hundred prints: photos of works in the Tate Collection,
including the one by Christopher Wool as well as others
by John Simpson, Jenny Holzer, Ron Mueck and Nicholas
Hlobo, photos and materials belonging to earlier works
by the artist, and a random display of landscapes, old
maps, and other cultural references. In the central orifice,
the artist, who remained there for seven hours without
a break, struck up conversations that turned spectators
into participants.
Nkanga’s was the first of the performances to be staged
on November 24, 2012 at The Tanks, Tate Modern, launch-ing
the project Across the Board, a series of initiatives,
sponsored by the Guaranty Trust Bank, which are due
to continue for nearly two years. Across the Board is an
experimental and multidisciplinary platform that will
travel, after its London sojourn is completed, to the Afri-can
cities of Accra, Douala, and Lagos. Each of these
episodes will present a series of different activities, with
different protagonists, and will serve to illustrate some
of the more exciting aspects of the contemporary Afri-can
art scene. The events will be organized around four
themes that will make up the conceptual framework, the
starting point, for a series of conversations about the pol-itics
of representation, about strategies of institutional
creation, about space and the public sphere, and about
interdisciplinary practices.
Across the Board: Politics of Representation, the first
event of the series, ended with a spectacular perfor-mance
by the multifaceted Nástio Mosquito. In my invi-
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institucional, el espacio y la esfera pública, y las prácticas
interdisciplinares.
Across the board: Politics of Representation, el primer
evento de la serie, se cerró con la espectacular perfor-mance
del polifacético Nástio Mosquito. En mi invitación
a Nkanga y Mosquito les incitaba a formular estrategias
que desafiaran los cánones establecidos sobre su iden-tidad
cultural. Mientras Nkanga optó por una presenta-ción
poética, con tintes de una radicalidad comedida,
Mosquito nos deleitó con el sarcasmo y la sagacidad a
los que nos tiene acostumbrados. En Flourishing Seeds
2012, las mejores vídeo creaciones del artista ocuparon
el fondo semicircular del antiguo tanque de aceite de la
central eléctrica. Composiciones ya de sobra conocidas
como Nástio’s Manifesto 2009, My African Mind 2010
o novedades como ifind 2011—esta última realizada en
colaboración con Vic Pereiró, el director artístico de su
más reciente producción audiovisual—se entremezcla-ban
con algunos de los éxitos de su último álbum, Deixa-me
Entrar y con intervenciones en directo del artista.
“Blessed be God, I’m pop” gritaba mientras recorría
con ritmo frenético de un lado a otro. “Blessed be God,
I’m pop” insistía en el púlpito central, mientras parecía
escapar de un enfático foco que le perseguía por todo el
escenario. Era esa quizá una tentativa irónica de escapar
lo ineludible, un gesto insistente del que no quiere ser
encasillado por una etiqueta, por una seña de identidad
específica y restrictiva. Mosquito cuestiona nuestra per-cepción
de África, de Occidente, del arte, del mercado.
Cuestiona el propio rol del artista como animal político.
Él es un autor de propósitos. Entre ellos el de incomo-dar
al espectador, ya sea visual o verbalmente, para que
desde ese espacio de desasosiego se abra a la posibilidad
de una experiencia nueva antes impensable. El sonido de
Mulher Madura, uno de los hits de su último largo, nos trae
sin embargo una faceta más lírica, intima, que desata una
voz melódica y grave, parte imprescindible también del
repertorio de este griot contemporáneo. Me quedo con
una de sus últimas reflexiones sobre su trabajo, que hace
referencia de igual modo a la obra de Otobong Nkanga:
ellos —los artistas, sus cuerpos, sus voces– son el mejor
vehículo para expresar lo que quieren trasmitir. Eso que
seguiría incompleto sin ti.
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tation to Nkanga and Mosquito, I encouraged them to
devise strategies that would challenge the established
canons of their cultural identities. While Nkanga opted
for a poetic display, with hints of a contained radicalism,
Mosquito delighted us with his characteristic sarcasm
and sagacity. In Flourishing Seeds (2012), the artist’s best
video creations occupied the semicircular stage made
up of the power station’s old oil tank. Such well-known
works as Nástio’s Manifesto (2009) and My African Mind
(2010), and new ones like ifind (2011) — a collaborative
work with Vic Pereiró, the artistic director of his latest
audiovisual production — were mingled with hits from
his latest album, Deixa-me entrar and with live interven-tions
by the artist.
“Blessed be God, I’m pop!” he shouted as he ran back and
forth at a frenetic pace. “Blessed be God, I’m pop!” he
insisted again from the central pulpit, while he seemed
to be fleeing an emphatic spotlight that followed him
everywhere. It was, perhaps, an ironic attempt to escape
the inescapable, the insistent gesture of someone who
refuses to be pigeonholed by a label, by a specific and
restrictive sign of identity. Mosquito questions our per-ception
of Africa, of the West, of art, and of the market.
He questions the very role of the artist as a political ani-mal.
He is a creator of propositions and purposes, one
of which is to disconcert the viewer, visually or verbally,
so that the space of unease that this creates opens up
the possibility of new and previously unthinkable expe-riences.
The sound of “Mulher Madura,” one of the hits
from his latest album, allows us, nevertheless, to glimpse
his more lyrical and intimate side, an equally important
component of this contemporary griot. I conclude with
one of his latest reflections about his work, which could
equally well be applied to that of Otobong Nkanga: they —
the artists, their bodies, their voices— are the best vehicle
for what they want to convey. But they would remain
incomplete without you.
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150 COLABORADORES
Nacido en París en el seno de una familia argelina,
KADER ATTIA vive y trabaja en Berlín. Tras estudiar
filosofía y bellas artes en la capital francesa, pasó
un año en la Escola d’Arts Aplicadas de Barcelona.
Su infancia, dividida entre los mundos cristiano,
musulmán y judío de Francia y Argelia, ha tenido un
profundo impacto en su obra, intensificado por sus
estancias en la República Democrática del Congo
y Venezuela. En su trabajo aborda la relación cada
vez más espinosa de Europa con sus inmigrantes,
especialmente con aquellos que profesan la fe islá-mica.
La primera exposición individual de Attia
tuvo lugar en 1996 en la República Democrática del
Congo. Se ganó el reconocimiento internacional en
la 50ª Bienal de Venecia (2003) y en la Bienal de
Lyon (2005), donde expuso su obra Flying Rats,
una instalación consistente en unas esculturas en
tamaño real de niños hechas de alpiste devoradas
por una bandada de palomas. Ha participado en
la Trienal de París y en las bienales de La Habana
y Sydney y en 2010 fue uno de los ganadores del
Abraaj Capital Art Prize, un premio otorgado a crea-dores
que desarrollan su trabajo en Oriente Medio,
África del Norte o el sur de Asia. Ha expuesto The
Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures
en dOCUMENTA(13).
Nacida en Madrid, ELENA BAJO vive entre Berlín y
Los Ángeles. Máster de Arquitectura por el ESARQ,
Barcelona, y en Bellas Artes por la Central Saint Mar-tins
School of Art de Londres, entre las exposiciones
que ha realizado en 2012 se cuentan The Absence
of Work, Platform3, Múnich y The Factory of Forms,
Manifesta 9 Parallel Events, Genk, Bélgica y Jan van
Eyck Academie, Maastricht, Holanda. Ha participado
en la bienal PERFORMA11 de Nueva York (2011) y en
diversas colectivas, como las celebradas en la David
Roberts Art Foundation de Londres, el MUHKA de
Amberes o LAXART, en Los Ángeles. Recientemente,
Onomatopee, de Eindhoven, Holanda, ha publicado
su libro The Factory of Forms (2012)
MATHIEU COPELAND nació y vive en Londres.
Su práctica como comisario busca subvertir el papel
tradicional de la exposición y renovar las percepcio-nes
que de ella tenemos. Fue cocomisario de VIDES,
Une Rétrospective, en el Centre Pompidou de París y
la Kunsthalle de Bern y editor del volumen que acom-pañó
a la muestra. Entre las múltiples exposiciones de
las que ha sido comisario destacan A Choreographed
Exhibition, Kunsthalle St Gallen y Ferme du Buisson; y
Soundtrack for an Exhibition en el Musée d’Art Con-temporain
de Lyon. Para 2013 prepara Nothin’ but
Working: Phill Niblock, A Retrospective, como parte
del Circuit y Musée de l’Elysée de Lausana, y Sup-portive,
sobre Gustav Metzger, en el Musée d’Art
Contemporain de Lyon. En la primavera de este año
tiene previsto también publicar Choreographing
an Exhibition.
Nacida en 1982, en 2006 JULIE CRENN completó un
Máster en Historia y Crítica de Arte por la Universidad
Rennes en el que estudió la creación artística de Frida
Kahlo. Prosiguiendo sus investigaciones sobre prác-ticas
y teorías feministas y poscoloniales, en 2012
se doctoró en la Universidad Bordeaux III, con una
tesis sobre las artes textiles contemporáneas y sus
conexiones con la memoria, la identidad histórica
y el género. Colabora en numerosas publicaciones
sobre arte, entre ellas Artpress, Laura, Ligeia, N.
Paradoxa, Genre & Histoire, Inter Art Actuel, Slicker
y La Belle Revue. Ha escrito también sobre arte con-temporáneo
africano en Africultures, Chinumenga y
Afrique in Visu.
ELVIRA DYANGANI OSE, que en estos momentos se
encuentra finalizando un doctorado en Historia del
Arte y Estudios Visuales en Cornell University, tiene
un Máster en Teoría e Historia de la Arquitectura por
la Universitat Politècnica de Catalunya y es licenciada
en Historia del Arte por la Universitat Autònoma de
Barcelona. Experta en arte contemporáneo africano,
ha sido profesora invitada de la Universitat de Barce-lona,
donde investigó la producción artística y la cul-tura
contemporánea africanas. En el Centro Atlántico
de Arte Moderno, CAAM, Las Palmas, cocomisarió
una exposición de artistas surafricanos contemporá-neos
titulada Olvida quién soy / Erase me from who
I am. Ha sido también curadora del Centro Andaluz
de Arte Contemporáneo de Sevilla y, recientemente
ha sido nombrada curadora de Arte Internacional en
la Tate Modern.
Nacido en la Ciudad de México, PABLO LEÓN DE LA
BARRA vive y trabaja en Londres. Tiene un doctorado
en Historia y Teoría de la Architectural Association de
Londres. Ha comisariado, entre muchas otras expo-siciones,
To Be Political it Has to Look Nice (‘Para Ser
Político Tiene que Verse Bien’) en apexart y Art in
General, Nueva York (2003); Sueño de Casa Propia
(2007-2008) en colaboración con María Inés Rodrí-guez,
en el Centro de Arte Contemporáneo-Ginebra,
Casa Encendida-Madrid, Casa del Lago- Ciudad de
México; To Know Him Is To Love Him, Cerith Wyn
Evans (Conocerlo es amarlo), en la Casa Barragán,
Ciudad de México (2010); Incidents of Mirror Travel
in Yucatan and Elsewhere (Incidentes de Viaje Espejo
por Yucatán y Otras Partes), en el Museo Tamayo,
Ciudad de México (2011); Microclimas, Kunsthalle
Zurich (2012) y Novo Museo Tropical en Teorética,
San José, Costa Rica (2012), y Los Pasajes, Centro
Comercial Camino Real/Proyecto AMIL, Lima (2012).
Es fundador del Novo Museo Tropical, y fundador y
CONTRIBUTORS
Born into an Algerian family in Paris, KADER ATTIA
lives and works in Berlin. He studied both Philosophy
and Fine Art in Paris and spent a year at Barcelona’s
School of Applied Art. His childhood, which was
divided between the Christian, Islamic, and Jewish
worlds of France and Algeria, has had a profound
impact on his work, which has been further informed
by time spent living in the Democratic Republic of the
Congo and in Venezuela. His work tackles the increas-ingly
fraught relationship between Europe and its
immigrants, particularly those of the Islamic faith.
Attia’s first solo exhibition was held in 1996 in the
Democratic Republic of Congo. He gained interna-tional
recognition at the 50th Venice Biennale (2003)
and at the Lyon Biennale (2005), where he exhib-ited
the work Flying Rats, an installation of life-size,
birdseed sculptures of children being devoured by a
flock of pigeons. A past participant in the Paris Trien-nial,
the Havana Biennial, and the Sydney Biennial,
he was one of the winners of the 2010 Abraaj Capital
Art Prize awarded to artists working in the Middle
East, North Africa, or South Asia. He exhibited The
Repair from Occident to Extra-Occidental Cultures
at dOCUMENTA(13).
A native of Madrid, ELENA BAJO lives and works in
Berlin and Los Angeles. She holds a Masters in Archi-tecture
from ESARQ, Barcelona and a Masters in Fine
Arts from Central Saint Martins College of Arts and
Design, London. Her 2012 solo exhibitions include
The Absence of Work at Platform3 in Munich and The
Factory of Forms at both Manifesta 9 Parallel Events,
Genk and the Jan van Eyck Academie, Maastricht.
She participated in Performa11 Biennial in New York
in 2011 and has participated in group shows at the
David Roberts Art Foundation, London; MUHKA, Ant-werp;
LAXART, Los Angeles; and elsewhere. Her book
The Factory of Forms was published by Onomatopee
(Eindhoven) in 2012.
MATHIEU COPELAND was born in and lives in Lon-don.
As a curator, he has been developing a practice
that seeks to subvert the traditional role of exhibi-tions
and to renew our perceptions of them. He co-curated
the exhibition VOIDS: A Retrospective at the
Centre Pompidou in Paris and the Kunsthalle in Bern,
and edited the accompanying volume. Among the
many shows he has curated are A Choreographed
Exhibition at the Kunsthalle St Gallen and La Ferme
du Buisson, and Soundtrack for an Exhibition at the
Musée dÐArt Contemporain in Lyon. Forthcoming
exhibitions in 2013 include Nothin’ but Working: Phill
Niblock, A Retrospective at the Circuit and Musée de
lÐElysée in Lausanne and Gustav MetzgerÐs Sup-portive
at the Musée d’Art Contemporain in Lyon. His
forthcoming publications include Choreographing
an Exhibition, to be published in the spring of 2013.
Born in 1982, JULIE CRENN received a Masters in
Art History and Criticism at Rennes II University in
2006 for her study of the art of Frida Kahlo. Con-tinuing
her research on feminist and postcolonial art
practices and theories, in 2012 she completed her
Ph.D. thesis at Bordeaux III University on the subject
of contemporary textile arts and their connections
with memory, historical identity, and gender. A con-tributor
to numerous art journals, including Artpress,
Laura, Ligeia, N. Paradoxa, Genre & Histoire, Inter Art
Actuel, Slicker, and La Belle Revue, she has also writ-ten
on African contemporary art for Africultures,
Chinumenga, and Afrique in Visu.
ELVIRA DYANGANI OSE, who is completing her
Ph.D. in History of Art and Visual Studies at Cornell
University, holds a Masters in Theory and History
of Architecture from the Universitat Politècnica de
Catalunya and a BA in Art History from the Universitat
Autònoma de Barcelona. A specialist in contempo-rary
African art, she has been a guest professor at the
University of Barcelona, where she examined African
artistic production and contemporary culture. At the
Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM, Las Pal-mas,
she co-curated an exhibition of contemporary
South African artists entitled Olvida quién soy / Erase
me from who I am. She has also served as curator
at the Centro Andaluz de Arte Contemporáneo in
Seville, Spain, and was recently appointed curator of
International Art at the Tate Modern.
Born in Mexico City, PABLO LEÓN DE LA BARRA lives
and works in London. He holds a Doctorate in History
and Theory from the London Architectural Associa-tion.
Among the many exhibitions he has curated are
To Be Political It Has to Look Nice at apexart and Art
in General, New York, in 2003; Sueño de casa propia
(“Dream of a home of one’s own”) in 2007-2008,
in collaboration with María Inés Rodríguez, at the
Contemporary Art Centre, Geneva, at Casa Encen-dida,
Madrid, and at the Casa del Lago, Mexico City;
Cerith Wyn Evans: To Know Him Is To Love Him at
the Casa Barragán, Mexico City in 2010; Incidents
of Mirror Travel in Yucatán and Elsewhere at the
Tamayo Musueum, Mexico City in 2011; Microclimas
(“Micro-climates”) at the Kunsthalle Zurich in 2012;
Novo Museo Tropical at TEOR/éTica, San José, Costa
Rica in 2012; and Los pasajes (“The landscapes”) at
the Centro Comercial Camino Real / Proyecto AMIL,
Lima, in 2012. He is a founder of the Novo Museo
Tropical and was the founder and director of the First
Tropical Biennale in San Juan, Puerto Rico in 2011.
He recently received a curatorial travel and study
grant in Central America and the Caribbean from the
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director de la Primera Bienal Tropical en San Juan,
Puerto Rico (2011). Recientemente le fue otorgada
la primera beca para viajes de investigación cura-torial
en Centroamérica y el Caribe de la Colección
Patricia Phelps de Cisneros e Independent Curators
International.
CUAUHTÉMOC MEDINA nació y vive en la Ciudad
de México. Crítico de arte, comisario e historia-dor,
es doctor en Historia y Teoría del Arte por la
University of Essex y licenciado en Historia por la
Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
Desde 1992 trabaja de investigador a tiempo com-pleto
en el Instituto de Investigaciones Estéticas
de la UNAM. Fue el primer curador asociado de
Arte Latinoamericano en la Tate Modern, cargo que
desempeñó entre 2002 y 2008. Entre los proyectos
por él organizados destacan Cuando la fe mueve
montañas (Lima, Perú, 2001) de Francis Alÿs y ¿De
qué otra cosa podríamos hablar, si no?, el proyecto
de Teresa Margolles para el Pabellón de México en
la Bienal de Venecia de 2009. En 2012, Medina fue
Comisario Jefe de la bienal Manifesta 9 en Genk,
junto a Katerina Gregos y Dawn Ades. Ese mismo
año obtuvo de la Menil Foundation el Walter Hopps
Award a los logros curatoriales.
“A traves de su obra artística, CARLOS MOTTA docu-menta
las condiciones sociales y luchas políticas de
comunidades sexuales minoritarias con la intención
de producir proyectos de auto-representación que
reten los discursos normativos dominantes acerca del
sexo y el género. Su obra ha sido exhibida en grandes
museos tales como el Guggenheim Museum y el New
Museum de Nueva York, Tate Modern en Londres y
Museu Serralves en Porto, como en bienales inter-nacionales
y en espacios independientes al rededor
del mundo.
fierce pussy (http://www.fiercepussy.org) es un
colectivo fundado en 1991 en Nueva York, que agrupa
a artistas mujeres queer residentes en esa ciudad uni-das
por su implicación en el activismo contra el SIDA.
A lo largo de una década de movilización política
creciente en torno a los derechos gay, fierce pussy
ha llevado la identidad y visibilidad lésbicas direc-tamente
a las calles a través de pósteres, pegatinas,
camisetas y diversas intervenciones públicas. Han
continuado comprometidas en la reconquista del
lenguaje y el espacio público mediante instalaciones
y exposiciones en galerías y museos. Cuatro de las
componentes del siempre fluido y cambiante cua-dro
original de dykes que formaron núcleo original
del grupo —Nancy Brooks Brody, Joy Episalla, Zoe
Leonard y Carrie Yamaoka— continúan colaborando
juntas.
MARÍA INÉS RODRÍGUEZ es Conservadora en Jefe
del Museo Universitario Arte Contemporáneo –
UNAM en Mexico City desde 2011, donde ha curado
las exposiciones de Teresa Margolles, Nicolas Paris y
prepara un exposición de Yona Friedman y la retros-pectiva
de Alejandro Jodorowsky. De 2009 a 2011
fue Conservadora Jefe del MUSAC, Museo de Arte
Contemporáneo de Castilla y León. Dirigió la Colec-ción
Arte y Arquitectura AA MUSAC, creada en 2010
en donde ha publicado las monografías Alexander
Apóstol: Modernidad Tropical y Architecture with the
People, by the People, for the People: Yona Friedman.
Fue también comisaria invitada de la programación
Satellite de 2008-2009 del Jeu de Paume de París, y
se encargaba de la edición de la publicación de arte
francesa Point d’ironie.
ALEJANDRO VIDAL Nacido en Palma de Mallorca,
España, vive y trabaja en Berlin. Ha expuesto su obra
en numerosos museos y centros de arte internacio-nales
como CAC Málaga, Kunstverein Medienturm en
Graz, QUAD en Derby, Participant Inc en Nueva York,
Kunsthalle Winterthur; Fundació La Caixa en Barce-lona;
Palazzo delle Papesse en Siena, Schirn Kunstha-lle
en Frankfurt, The Museum of Contemporary Art en
Taipei, MIS en Sao Paulo, Da2 en Salamanca, Kling &
Bang en Reikjavik) Mambo Bologna y Kunstmuseum
Bern. Participó en Mediations Biennale 2012, en Poz-nan,
y Busan Biennale en Corea del Sur, 2006. Ha
expuesto recientemente en Galleria ARTRA, Milán;
Galería Joan Prats, Barcelona; Galería Elba Benitez,
Madrid; Galerie Thomas Schulte y Play Platform for
Film and Video en Berlin; y Monitor, Roma.
MARTABEL WASSERMAN es una artista, escritora
y curadora que ha expuesto en Nueva York, Los
Ángeles, Berlín y Providence. Dirige la publicación
online recaps (http://recapsmagazine.com), siglas
de “Reclaim Culture Art Politics Sexuality” y en estos
momentos comisaría una muestra sobre el papel de
la mujer en las guerras culturales mientras cursa el
último año del programa de Máster de Arte de la Uni-versity
of California, en Irvine.
La historiadora, ensayista y catedrática israelí IDITH
ZERTAL es autora de numerosos libros y artículos
sobre el holocausto, el sionismo e Israel. Su libro
Israel’s Holocaust and the Politics of Nationhood
ha sido traducido a ocho idiomas. Es autora junto
a Akiva Eldar de Lords of the Land: The War Over
Israel’s Settlements in the Occupied Territories,
1967-2007.
Patricia Phelps de Cisneros Collection and Indepen-dent
Curators International.
CUAUHTÉMOC MEDINA was born in and lives in Mex-ico
City. An art critic, curator, and historian, he holds a
Ph.D. in History and Theory of Art from the University
of Essex and a BA in History from the National Auton-omous
University of Mexico (UNAM). Since 1992 he
has been a full time researcher at UNAM’s Instituto
de Investigaciones Estéticas. From 2002 to 2008 he
served as the first associate curator of Latin American
Art at the Tate Modern in the UK. Among the projects
he has organized are When Faith Moves Mountains
(Lima, Peru, 2001) by Francis Alÿs and What Else
Could We Talk About?, Teresa Margolles’s project for
the Mexican Pavilion at the Venice Biennale 2009.
In 2012, Medina was Head Curator of the Manifesta 9
Biennial in Genk, in association with Katerina Gregos
and Dawn Ades. That same year he received the Wal-ter
Hopps Award for Curatorial Achievement from the
Menil Foundation.
Through his artistic work, CARLOS MOTTA docu-ments
the social conditions and political struggles
of minority sexual communities with the intent of pro-ducing
self-representation projects that challenge
the dominant normative discourses about sex and
gender. His work has been shown in such major muse-ums
as the Guggenheim and the New Museum in New
York, the Tate Modern in London, and the Museu Ser-ralves
in Oporto, as well as at international biennales
and independent show spaces around the world.
fierce pussy (http://www.fiercepussy.org), which was
founded in New York City in 1991, is a collective of
queer women artists working in New York City who
were brought together by their shared involvement in
AIDS activism. During a decade of increasing political
mobilization around gay rights, fierce pussy brought
lesbian identity and visibility directly into the streets
through posters, stickers, t-shirts, and various pub-lic
interventions. They have continued to engage in
reclaiming language and public space by means of
installations and exhibitions in galleries and muse-ums.
Of the fluid and often shifting cadre of dykes
who composed the group, four of the original core
members — Nancy Brooks Brody, Joy Episalla, Zoe
Leonard, and Carrie Yamaoka — continue to work
together today.
MARÍA INÉS RODRÍGUEZ has served as chief conser-vator
of the University Contemporary Art Museum
since 2011, curating shows by Teresa Margolles and
Nicolas Paris; she is currently preparing a show
devoted to Yona Friedman as well as an Alejandro
Jodorowsky retrospective. From 2009 until 2011 she
was Chief Conservator of MUSAC, the contemporary
art museum of the Castile and León region in Spain.
She managed the AA MUSAC Art and Architecture
Collection at MUSAC, created in 2010, and was
the editor of the monographs Alexander Apóstol:
Modernidad Tropical and Architecture with the Peo-ple,
by the People, for the People: Yona Friedman.
She was guest curator at the Satellite programme of
the Jeu de Paume in Paris in 2008-2009, and edited
the French art publication Point d’ironie.
ALEJANDRO VIDAL was born in Palma de Majorca,
Spain and lives and works in Berlin. His work has
been shown in numerous international museums
and art centres, including CAC Málaga, the Kunst-verein
Medienturm in Graz, QUAD in Derby, Partici-pant
Inc in New York, the Kunsthalle Winterthur, the
Fundació La Caixa in Barcelona, the Palazzo delle
Papesse in Sienna, the Schirn Kunsthalle in Frank-furt,
the Museum of Contemporary Art in Taipei,
MIS in São Paulo, Da2 in Salamanca, Kling & Bang in
Reykjavik, Mambo in Bologna, and the Kunstmuseum
Bern in Switzerland. He participated in the Mediations
Biennale in Poznan in 2012 and the Busan Biennale
in South Korea in 2006. His work has recently been
shown at Galleria ARTRA in Milan, Galeria Joan Prats
in Barcelona, Galería Elba Benitez in Madrid, Galerie
Thomas Schulte, and Play Platform for Film and Video
in Berlin, and Monitor, Rome.
MARTABEL WASSERMAN is an artist, writer, and
curator whose work has been exhibited in New York
City, Los Angeles, Berlin, and Providence. The edi-tor
of the online journal recaps (http://recapsmaga-zine.
com), whose name stands for “Reclaim Culture
Art Politics Sexuality,” she is currently curating a
show about the role of women in the culture wars
and is completing her final year in the MFA program
at the University of California, Irvine.
An Israeli historian and essayist, Professor IDITH
ZERTAL is the author of numerous books and arti-cles
on the Holocaust, Zionism, and Israel. Her book
Israel’s Holocaust and the Politics of Nationhood
has been published in eight languages. She is the
co-author, with Akiva Eldar, of Lords of the Land:
The War Over Israel’s Settlements in the Occupied
Territories, 1967-2007.
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